viernes, 13 de marzo de 2020

TAREA 03 - ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE DE CADA ARTISTA

💭 ¿Todo lo que vemos es arte? 💭


INTRODUCCIÓN


Presento a continuación la tarea 3, llamada “Análisis de una obra de arte de cada artista”. Como se verá después, consistirá en el análisis profundo de una de las obras de arte de los artistas asignados previamente. Para facilitar el trabajo seguiremos una serie de pautas, estas son:

1. Aproximación a la imagen seleccionada (a modo de pequeña introducción):
- ¿Qué es lo primero que te llama la atención de la obra?
- ¿Qué es lo que tiene de especial?
- ¿Qué nos muestra la imagen?
2. Ficha identificativa:
- Autor, Titulo, Fecha de la realización, ubicación actual, género, técnica, dimensiones…
3. Análisis DENOTATIVO:
- Descripción objetiva y en detalle de la imagen.
- Elementos configuradores de la imagen.
- Características y funciones de la imagen.
4. Análisis TÉCNICO de la obra:
- A qué estilo pertenece (país, escuela, periodo).
- Qué rasgos característicos identifican el estilo.
- Precedentes en la historia del arte.
- Influencias posteriores en la historia del arte.
5. Análisis CONNOTATIVO:
- Interpretar las deformaciones llevadas a cabo por el autor.
- Identificar el mensaje de la imagen.
- ¿Qué nos sugiere la imagen?
- ¿Qué sentimientos nos despierta?
- ¿Qué nos evoca?
6. Fuentes y bibliografía:

En este caso, conoceremos una de las obras de Dante Gabriel Rossetti, Dan Flavin y Boris Nzebo. El primero de ellos pertenece al siglo XIX, el segundo corresponde al siglo XX y el último, es un artista del siglo XXI.

OBRA · DANTE GABRIEL ROSSETTI

1.      Aproximación de la imagen seleccionada

Lo primero que me llama la atención de la obra es que aparezca la imagen de una mujer con un gesto de al parecer, inhalación de aire. Además, hay que destacar, que se encuentra con los ojos cerrados. Puede dar un sentimiento de libertad o incluso creencia de la belleza idealizada.
Lo que tiene de especial es que puede representar varias virtudes, así como una belleza idealizada, o no, de la mujer, así como sentimientos de la propia mujer o del autor.
La imagen nos muestra la figura de una mujer, con un pájaro sobre su brazo, un reloj solar detrás, y la silueta de dos personas al fondo.
Hay que destacar que todo esto son aproximaciones personales que tengo al observar la obra en un primer momento. A lo largo de los demás puntos iré precisando la información.
2. Ficha identificativa


3.      Análisis denotativo


La descripción objetiva y en detalle de la imagen se fundamenta en el rostro de una mujer, en este caso “Beatriz de Dante”, la silueta de dos personas al fondo, un reloj solar un poco más cerca y un pájaro con una aureola en la cabeza en el brazo de la mujer. Utiliza colores verdosos, algún amarillo para dar luz al fondo y un poco de magenta para el pájaro y la silueta de una persona. Hay que añadir que el autor se inspira fundamentalmente en la obra Vita Nuova de Dante, en la que aparece Beatrice Portinari. Vemos, por tanto, que Rossetti representa a su esposa recién fallecida, Lizzie Siddal, mediante el modelo de Dante (Díaz, HA!)

Los elementos configuradores de la imagen son, en especial, las figuras o elementos que la forman. En primer lugar, hay que decir que todos y cada uno de los elementos tienen un doble sentido, con el que Rossetti jugaba, para representar en la obra lo más esencial. Encontramos los ojos cerrados de la mujer que simbolizan la contemplación de la muerte y como el amado intenta llegar hasta ella desde el mundo de los vivos. Vemos un reloj de sol, un poco más atrás que la mujer y lo que marca este reloj es la misma hora en la tierra y en la eternidad. Además, observamos un pájaro con una aureola en la cabeza, lo que nos lleva a pensar que es un santo. Este ave se esta dirigiendo o está apoyado en el brazo de la mujer, y vemos que en su pico lleva una flor de adormidera, llevando por tanto a pensar, que es por la muerte de su amada. También tenemos de fondo la imagen de Florencia, la ciudad, y el personaje a la derecha es Dante (Cerra, 2018).
Las características y funciones de la imagen evocan a una representación en toda regla de la muerte. Es conveniente decir que muchas de las primeras impresiones que yo tenía de la obra se han cumplido, en cambio, otras, no tanto. Dante describe esta escena en su obra como “esa bendita Beatriz que ahora contempla eternamente su rostro, y que es bendecida a través de los siglos”. Por otro lado, Rossetti en una carta hacia su amigo William Morris, comunica que la intención de su obra era “no quiero una representación del momento de la muerte de Beatriz, sino, la de su ideal, simbolizado por el éxtasis o una transfiguración espiritual repentina” (Aparences, 2013).


4.      Análisis técnico de la obra


El estilo al que pertenece la obra es fundamentalmente el Romanticismo y al Esteticismo. Cabe decir, que este autor fundo la escuela Prerrafaelista, por lo que se puede entender cómo un nuevo estilo en el que la obra se situaría. El país, por tanto, sería Italia y el periodo en la década de 1870.
Los rasgos característicos que identifican el estilo se podrían resumir en la espiritualización movida por el amor y la pasión. Son cuadros fundamentalmente coloridos, que tienen una gran cantidad simbólica de elementos y referencias literarias. Son, además, sensibles a la naturaleza y a las cuestiones sociales (Museé d`Orsay, 2006).
Desde un punto de vista técnico, destacamos que se mantenga la composición y el encuadre al modo tradicional, que se usen colores complementarios y que se creen espacios sin perspectiva aérea. Además, recuperarán los temas de la literatura medieval y la religión, la realidad está entendida como verosimilitud con temas históricos y bíblicos (Pablo, 2018).
Los artistas pertenecientes a este movimiento son movidos por una extraña religiosidad que a menudo la asocian con una sensualidad expresada en sus obras. La pintura de estos artistas se divide en la de “público” y la “crítica”. Como he dicho anteriormente, están asociados también a temas literarios, en lo que ilustran a Dante, Shakespeare, Keats o Robert Browning (Aparences, 2013).
Los precedentes en la historia del arte corresponden a los movimientos que hay entre el Renacimiento y el Romanticismo. Esto es así porque los artistas que fundan esta hermandad buscaban volver al primer Renacimiento, al de Botticelli entre otros. Esta vuelta se fundamentaba en conseguir los ideales medievales (trabajo gremial, espiritualidad sincera…) a través de un arte más sencillo y libre de artificios (Pablo, 2018).
Las influencias posteriores en la historia del arte las veremos fundamentalmente en el simbolismo, pero como curiosidad, diré, que ha dejado huellas en el cine actual. Se recrean imágenes en películas que son prácticamente idénticas a las obras de los artistas que formaban la hermandad Prerrafaelista. Esto sucede así porque hay contemplación de la naturaleza para expresar ideas auténticas, puras y sinceras, siendo este arte, un vehículo para la mejora de la ética social e individual. (Ruskin, 2011). 

5.      Análisis connotativo


Las deformaciones llevadas a cabo por el autor son especialmente el uso que ha hecho de los símbolos que hemos visto con anterioridad. A diferencia de otro autores, son símbolos de relación directa, es decir, utiliza elementos universales para representar su idea en el cuadro.
El mensaje de la imagen, como he dicho ya en repetidas ocasiones se fundamenta en la simbolización de la muerte de la esposa de Rossetti. Para hacer esta simbología utilizada a la Beatrice de Dante. Con ella quiere transgredir el límite entre la ficción y la realidad haciendo referencia a aspectos de su propia vida personal.
Los sentimientos y sugerencias que nos transmite esta imagen están basados en la representación de virtudes manifestadas a través de la felicidad y el amor que comporta la pequeña transición de la vida a la muerte.
Nos evoca hacia una abstracción constante en la que hay un ambiente sensual y etéreo que es denominado por la belleza de la mujer en la obra (Díaz, HA!).

OBRA · DAN FLAVIN


1.      Aproximación de la imagen seleccionada



Lo primero que me llama la atención de la obra es que simplemente sean varios fluorescentes de luz colocados en la pared de una habitación. Puede dar un sentimiento de pureza y brillantez ya que la sala es oscura y la luz es blanca.
Lo que tiene de especial es que puede representar varias virtudes o sentimientos en función del color de la luz. En este caso es el blanco, que representa pureza y bondad. Además, resalta sobre un lugar oscuro.
La obra nos muestra una estructura formada por tres bloques verticales de fluorescentes de luz blanca colocados en una pared.
Hay que destacar que todo esto son aproximaciones personales que tengo al observar la obra en un primer momento. A lo largo de los demás puntos iré precisando la información.

2.      Ficha identificativa

3. Análisis denotativo

La descripción objetiva y en detalle de la obra se fundamenta en el tres bloques verticales de luz fluorescente colocados en una pared. Se encuentran en una sala oscura, resaltando por tanto el color blanco de cada foco de luz. Utiliza el color blanco que representa pureza, bondad, y en ocasiones, brillantez.
Los elementos configuradores de la obra son, especialmente, tres grupos de uno, dos y tres tubos verticales de luz fluorescente blanca. Están situados en una pared, en el interior de una sala que parece ser oscura. Aun siendo pobre de elementos, la obra está dedicada a al monje franciscano Guillermo de Ockam, que defendió las ideas universales como signos abstractos y excluyó la posibilidad de conocer intelectualmente la existencia de Dios (Fernández, sin fecha).

Las características y funciones de la obra evocan a conocer el trabajo de Flavin como algo con simplicidad, secuencia y dimensión. Este artista se basó en un aforismo de Guillermo de Ockam, para concebir una obra en la que por primera vez se planteaba abarcar el espacio libre por completo de una sala. En esta premisa resalto las palabras de Ockam que dicen que “los principios no deberían ser multiplicados sin razón”. Además, Dan se interesó en Guillermo de Ockam por la literalidad de su pensamiento, que defendía que las ideas universales que en un principio son abstractas, solo se llegan a dar en los casos individuales. Si que es cierto que esta obra de Flavin está dentro de su fase del trabajo con luz, ya que primeramente la combinaba con planos de pintura (España es cultura, sin fecha)
4.      Análisis técnico de la obra

El estilo al que pertenece la obra es el del minimalismo. Los rasgos característicos que identifican el estilo se podrían resumir en “vivir únicamente con lo necesario”. En líneas generales se basan en reducir todo a lo esencial, quitando siempre los elementos sobrantes (Sánchez, 2018), es decir, evidenciando la ausencia de sentimientos o medios de expresión. Ahora bien, el minimalismo no está en contra del capitalismo, sino en contra del consumismo, o más bien, el consumo sin control (Pérez, 2016).
Los precedentes en la historia del arte están en cualquier movimiento anterior en los que se consideraba que había un caos en las obras. Para equilibrar esto, el minimalismo propone un orden de los elementos en el espacio, así como eliminar todos los excesos sobrantes.
La influencia posterior en la historia del arte la encontramos en la postmodernidad, ya que el minimalismo es la última etapa de la modernidad (HA!, sin fecha). 
5.      Análisis connotativo

Las deformaciones llevadas a cabo por el autor no son notables porque no hay mucha presencia de elementos. Como podemos observar solo hay 3 grupos de barras de fluorescentes.
El mensaje de la obra fundamentalmente aboga en la ausencia de sentimientos, de expresiones y de elementos, quedando únicamente lo esencial. En este caso la luz de las barras en un entorno oscuro.  
Los sentimientos y sugerencias que nos transmite esta obra son muy simples ya que como he dicho repetidas veces busca solo la ausencia de elementos sobrantes.
Nos evoca hacia una abstracción de elementos que no deben estar presentes en nuestras vidas porque no son lo suficientemente importantes y no hace falta tenerlos en consideración. Con esto quiero decir, que es necesario buscar un equilibrio constante entre los objetos. 

OBRA · BORIS NZEBO

1.      Aproximación de la imagen seleccionada

Lo primero que me llama la atención de la obra es el gran protagonismo que tiene el color, así como las líneas libres, sin ser estrictamente rectas y ocupando la mayor parte del espacio.
Lo que tiene de especial es que superpone las capas de los elementos, pero aun así, queda un mensaje claro y sólido. Se pueden diferenciar los elementos que la configuran de una manera clara gracias, una vez más, a las líneas y a los colores.
La obra nos muestra una imagen de la calle, con edificios, personas a pie de calle, una frase para la reflexión y la cabeza de una persona con coleta y pendientes de aro.
Hay que destacar que todo esto son aproximaciones personales que tengo al observar la obra en un primer momento. A lo largo de los demás puntos iré precisando la información.
2.      Ficha identificativa


 3.      Análisis denotativo

La descripción objetiva y en detalle de la obra se fundamenta en la proyección de una calle, de Duala (Camerún), la ciudad natal del artista, la cabeza por detrás de una mujer posiblemente, con peinados característicos de ese lugar, y varias siluetas de personas a pie de calle haciendo labores de peluquería y diseño. Hay que añadir que hay una frase característica que hace reflexionar sobre el tema de la obra. A parte, en un lugar muy escondido, se encuentra la firma del artista en color verde. Hay que añadir que esta obra refleja claramente el objetivo que Boris busca con su trabajo. Deducimos, por tanto, que las obras evocan a una complejidad visual por la superposición de capas y el resultado es típico de la ciudad de África Occidental. Concretaremos entonces que los temas principales de la trayectoria del autor son personas con peinados elaborados, y en paisajes de cultura urbana de la ciudad de Duala. Este autor obtiene estos resultados porque se inspira en ilustraciones publicitarias pintadas a mano en los salones de belleza de África Occidental (Salgado, 2015).
Los elementos configuradores de la obra son, especialmente, los que hemos resaltado anteriormente. Es conveniente comentar que intenta exponer la idea de la vida individual o personal y la de la calle. Esta conexión de símbolos permite obtener una multiplicidad de opiniones en la lectura de la imagen. Esto, además, permite una polifonía visual que integra a los seres humanos en el espacio en el que habitan (Rodríguez, 2014).
Las características y funciones de la obra evocan a dar a conocer la ciudad de Duala. Además, sus peinados propios de las peluquerías y salones de belleza de la calle. Todo ello, mezclado con colores vivos, imágenes superpuestas y el tono de la saturación aumentado. Las líneas que configuran la obra son gruesas y negras, para luego rellenar los interiores de colores vivos y llamativos. Resaltar que, aunque a veces, Boris plasma un estilo “kitsch”, sus obras son rápidamente reconocibles. Su ejecución, se la debe a los anuncios publicitarios de los salones de belleza (Salgado, 2015). 

4.      Análisis técnico de la obra

El estilo al que pertenece la obra es al arte contemporáneo. Los rasgos característicos que identifican el estilo se podrían resumir en la epata de arte que empieza en el siglo XX por una revelación en los modelos de belleza dominantes en aquella época. Eso sí, esta revolución estética no depende solo de una generación de artistas, sino que el momento histórico acompañó a la propagación de este nuevo arte. Definitivamente, las bases del arte contemporáneo las encontramos a finales del siglo XIX y el punto de partida lo establecieron el impresionismo y el postimpresionismo. Hay que mencionar que encontramos en este arte contemporáneo las vanguardias (fauvismo, dadaísmo, expresionismo, cubismo, futurismo, constructivismo y neoplasticismo). Como característica fundamental, resaltar, que la idea que tienen que este arte es que “cualquier objeto puede ser arte”, por ello, tienen una conciencia de grupo reflejando que la novedad lleve a experimentar con el color, las formas y la composición (ArteEspaña, 2005).
En cuanto a los precedentes en la historia del arte, creo que en este caso es esencial comentar quién o en quién se inspiró Nzebo para realizar sus obras. En este caso fue en Kokó Komegné, principalmente. Es gran artista contemporáneo en Camerún. En sus años de estudio, se mezcló con diferentes formatos, entre ellos, el vídeo, la fotografía, la instalación o el rendimiento. Más adelante, la obra de Boris se fundamentará en explorar peinados en el espacio urbano. Con ello, consigue ver signos de rango social, expresión de un pensamiento o incluso de una pertenencia cultural (Anaya, 2014)
La influencia posterior en la historia del arte considero que está aún por determinar. El artista es relativamente joven. De todos modos, seguro que cientos de personas admirar y se inspirar en su obra para realizar pintura u otros tipos de trabajos, al igual que él se inspira en el trabajo de los peluqueros. Y es que esto es lo bonito del arte, no solo se basa en la pintura, en la fotografía o en la música, sino que va más allá de todos esos ámbitos. 

5.      Análisis connotativo

Las deformaciones llevadas a cabo por el autor están presentes en el uso que hace de lo trazos. Esto es notable en las líneas, ya que como he dicho anteriormente, son gruesas y rellenas de colores llamativos.
El mensaje de la obra fundamentalmente reside fundamentalmente en la interpretación de la pregunta que hay en el pie de la imagen, con el resto de la obra. La pregunta es “Why tu compare?” y significa, ¿por qué te comparas?. Considero que esta pregunta está muy bien introducida en la obra porque está acompañando y dando significado a los demás elementos de la imagen. Vemos que a pie de calle hay siluetas de personas que están peinándose, diseñando moda o fijándose en los demás de alrededor. El mensaje es claro, todos intentan seguir un canon de belleza o superar a la persona que tienen al lado para sentirse un poco mejor. Ahora bien, he comentado que este artista se encarga de ilustrar los peinados que hay por Camerún, entonces tenemos un tercer elementos que entra en juego en esto de la belleza y la estética, y es, la cabeza una mujer probablemente, que está de espaldas y se ve como tiene hecha una coleta con el pelo lleno de rastas típicas de África Occidental. Además, lleva en las orejas dos pendientes de aro. Como son de un color fuerte, y en este caso, amarillo, son muy notables.  
Los sentimientos y sugerencias que nos transmite la imagen es que no tienes por qué seguir un canon de belleza, simplemente, sé tú mismo, péinate como tú prefieras. Boris a lo largo de su colección nos nuestra múltiples peinados de la gente, prácticamente ninguno es igual entre sí. Eso es lo principal, no compararse con nadie, ni intentar quedar con superioridad por encima de otra persona.
Nos evoca hacia una África Occidental, tanto en las cabezas con los peinados como la imagen de la calle que muestra en cada obra. La instalaciones son típicas de ese lugar, así como los rasgos faciales de cada silueta de hombres y mujeres, representadas en el cuadro.

 Me gustaría presentaros, a continuación, la presentación que utilizaré en la sesión de clase para exponer la obra de este autor. Está hecha con la aplicación Prezi y este es el enlace:

CONCLUSIONES

A modo de conclusión, es preciso añadir que me ha parecido una oportunidad muy buena de conocer la obra de muchos artistas que, para mí hace unos días, eran desconocidos. Además, me parece muy buena complementación con la tarea anterior de las biografías.
Por otro lado, he aprendido a analizar una obra artística, ya que nunca me había enfrentado a ello. Soy consciente de la dificultad que he podido tener con alguno de mis artistas, ya que, fundamentalmente con el último, al ser tan actual, había poca información. Aun así, creo que lo he trabajado bastante, he leído entrevistas y páginas en otros idiomas. Esto me ha podido aportar una visión global del tema que he tenido que tratar y por lo tanto ha salido adelante.

También creo que, gracias a las presentaciones de los compañeros en clase, no solo he conocido otras obras, sino que he ampliado mi perspectiva en conocimientos de arte.

He de decir, que el arte no solo es crearlo, sino que también es fundamental conocer a personas que lo han configurado y entender que es lo que intentan transmitir con sus trabajos. También, hemos podido relacionar los conceptos de clase con las obras, creando por tanto un aprendizaje significativo en este ámbito artístico. 

BIBLIOGRAFÍA


Anaya, V. (2014) Boris Nzebo explora la cultura urbana a través de los peinados. Wiriko. Artes y culturas africanas. Recuperado de https://www.wiriko.org/artes-visuales/boris-nzebo-explora-la-cultura-urbana-traves-de-los-peinados/

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Pérez, V. (2016). Hipertextual. El minimalismo como forma de vida. Recuperado de https://hipertextual.com/2016/11/minimalistas-minimalismo-como-forma-vida

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Rodríguez, A. (2014). Afribuku. Cultura africana contemporánea. Recuperado de http://www.afribuku.com/panagea-saatchi-gallery-londres-nuevo-arte-africa/

Ruskin, J. (2011). Vitamina gráfica. Batido gráfico-visual. Recuperado de https://vitaminagrafica.wordpress.com/2011/12/25/la-influencia-de-los-prerrafaelistas-en-el-cine/

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(S.f.). The red list. Pinterest. Recuperado de https://www.pinterest.es/pin/37506609379173934/


FIN



¡Hasta la próxima! 
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